¿QUÉ ES MEJOR EN B/N O EN COLOR?: APRÈS LA NUIT (Meunier / Guérineau / Hédon)

Siempre se ha comentado por parte del aficionado, por los diversos foros y blogs, la idoneidad o no de reeditar ciertas obras en su blanco y negro original o con un coloreado posterior. Ahí tenemos los ejemplos conocidos por todos de V for Vendetta o el Corto Maltés, obras que en su edición original fueron publicados en B/N y que fueron coloreadas en posteriores ediciones.

Hay que reconocer que el resultado del color a posteriori está, sin duda alguna, muchas veces a la altura de la exigencia del lector medio, consiguiendo que el nuevo coloreado aplicado no disminuya la calidad de la obra en cuestión, y produciéndose a continuación, como ya hemos dicho, el debate que si es mejor de una forma o de otra.

Pero, luego están los puristas de tal o cual autor u obra que prefieren ser fieles al original, o los que simplemente lo prefieren de una u otra forma, sin más, una vez han podido comparar uno u otro acabado final. Y el resultado que se obtiene del dilema muchas veces es ambiguo, no llegándose nunca a un concenso por todos ni se llega a preferir una opción por encima de la otra por regla general.

A mí, personalmente, en según que cómics, las dos opciones me atraen por igual, produciéndose dos productos diferentes que no desmerecen el uno respecto al otro, teniendo cada uno sus virtudes y sus defectos. Tema que se puede hacer extensible al cine y sus ya conocidos recoloreados de películas clásicas como puede ser el claro ejemplo conocido por todos de Casablanca. En su momento, ya di mi oponión al respecto sobre este tema en un post que hice en este blog. Pinchad aquí si queréis echarle una ojeada.

Pero, también reconozco que, aunque el color pueda ser visualmente muy atractivo para los ojos, haciendo más "veraz" (si se puede decir así) una obra que nos intenta narrar algo que resulte creíble (queramos o no, nosotros estamos acostumbrados a ver el mundo en "technicolor"), sí que es verdad que la aplicación de éste en una obra muchas veces oculta matices y detalles que en el original estaban y, no se sabe bien porque, el color oculta, desvirtuando de alguna manera la intención primera del autor al hacer la obra en B/N.

El debate está ahí y, mucho me temo, durará eternamente, habiendo siempre sus defensores y sus detractores, decantándose por uno u otro resultado final o, incluso, aficionados que aceptan de igual forma las dos maneras de ver acabada una obra.

También está, naturalmente, la otra cara de la misma moneda, cuando la obra es concebida en un primer momento para ser editada en color, pasando posteriormente a ser publicada en B/N. Por todos es conocido el caso del Príncipe Valiente, que originalmente fue publicado en planchas dominicales en color y que un editor como es Manuel Caldas está publicando recientemente una versión en B/N. Y hay que reconocer que los resultados en este caso también son dignos de alabanza, descubriendo también muchos matices que el dibujo de Harold Foster aplicaba a cada una de sus páginas y su posterior coloreado ocultaba.

Y ahora entramos en lo que nos ha reunido hoy aquí. Editions Delcourt, en un intervalo de tiempo de dos meses, nos ofrece estas dos maneras de ver un cómic en Aprés la nuit, una típica historia ambientada en el far west, con guiones de Henri Meunier, publicada primero, en marzo de 2008, en una edición de lujo con lápices de Richard Guérineau (el mismo dibujante de El Canto de las Estrígias) y, posteriormente, en junio de 2008, en una versión coloreada, con los lápices de Richard Guérineau y los colores de Raphaël Hédon.

Experimento, todo hay que decir, que la editorial francesa ya ha probado de vez en cuando con títulos dispersos de diferentes series, primero en B/N y después en color, o viceversa, como pueden ser Angela (publicadas en el 98 las dos versiones a la vez), Golden City # 5, Volunteer # 2, Donjon Monsters # 7 y 10, Grand Vampire # 5-6, por poner unos cuantos ejemplos.

Llegados a este punto y después de ver los resultados conseguidos, ¿cuál es la intención de la editorial al publicar la misma obra en estas dos versiones en un periodo de tiempo tan corto? ¿Hay suficiente mercado para publicar el mismo título a la vez en vesiones diferentes? ¿Es una demanda frecuente entre los lectores franceses en vista a según qué títulos ya editados? ¿O lo hacen para comprobar, como barómetro de opinión, que tipo de versión tiene más aceptación entre el público? ¿Son obras diferentes al participar un tercer autor o se puede considerar que es la misma obra sin matizaciones de ningún tipo? ¿Son ediciones especiales meramente de coleccionista?

Ahí tenéis unas cuantas cuestiones que he lanzado al vuelo. Parecen preguntas fáciles de enunciar pero difíciles de contestar a poco que te pares a pensar y razonar un poco sobre el tema. Ahora os toca a vosotros juzgar cual de las dos versiones preferís como lectores y aficionados al cómic, y cuales son sus pros y sus contras si es que encontráis de ambos en ellas.

Un saludo cordial.

OPINANDO SOBRE LA REPRODUCCIÓN DE IMÁGENES DE TEBEOS EN LOS WEBLOGS

A colación del post publicado hoy por Álvaro Pons en La Cárcel de Papel, ¿Se pueden reproducir imágenes de tebeos?, me gustaría dar mi opinión personal y, creo también, hablar en nombre de todos los que conformamos Trazos en el bloc, sobre el tema que ha introducido Álvaro en dicho post. Estoy seguro que algo me dejaré en el tintero por la premura del post, pero creo necesario ya dar mi opinión aquí como, igualmente, haré en los comentarios de La Cárcel.

En nuestro blog, desde que éste se creó, siempre tuvimos claro, cada uno de los componentes del mismo, que las imágenes sobre portadas, ilustraciones, viñetas, fotogramas y demás tenían que ir claramente referenciadas de quién era su autor y cuál era la editorial (o similar) que lo publicaba. Y por eso también pusimos en la columna de la derecha de nuestro blog un texto que indicaba el uso y finalidad de todo este material cuando es reproducido en nuestro blog:

“Todas las opiniones firmadas por los miembros en este blog son propiedad, según corresponda, de cada uno de los componentes del Equipo de Trazos en el bloc. Las imágenes que se muestran en cada uno de los posts son propiedad de cada uno de sus creadores, siendo utilizadas simplemente como vehí­culo visual para expresar mejor las opiniones vertidas por los miembros del blog”

Además, hay que comentar que hay algunas editoriales que en sus créditos editoriales ya hacen referencia, en el apartado de derechos editoriales y de autor, a este tema, añadiendo “...salvo para uso informativo en medios de comunicación” (Dolmen Editorial, por ejemplo).

Nosotros que tenemos un blog sin ánimo de lucro de ningún tipo, en cada una de nuestras reseñas, incorporamos imágenes de la portada e interiores de los cómics reseñados para potenciar más el texto escrito por nosotros, pues de todos es conocido la fuerza y poder de las imágenes, más incluso que las palabras a veces, y cómo, también, ambos no son en ningún momento conceptos excluyentes, sino que la unión de ambos favorecen y redondean lo que uno quería explicar. Además, tenemos clarísimo que este trato de la información que nosotros realizamos, con la inclusión de partes "gráficas" de la obra referenciada, siempre favorece, y en ningún caso perjudica, a la editorial y al autor en cuestión (y sólo puede perjudicar, en todo caso, si la crítica (lease texto) es negativa, pero creo que, incluso la crítica más negativa puede incluso favorecer al autor en no caer, posiblemente, en un mismo error anterior o, simplemente, ser la opinión de uno frente a multitud de opiniones diferentes de otros, porque ya se sabe, en la variedad está el gusto, y tiene que haber obras y lectores para todo tipo de públicos y temáticas, y dentro de estas últimas, de estilos y tratamientos para todos los gustos y sensibilidades).

Por lo tanto, y creo hablar, repito, en nombre de todos mis compañeros, el uso de las imágenes para la finalidad arriba indicada es perfectamente lícito, y favorece ampliamente la difusión de una obra o un autor para que, el lector indeciso, leyendo ciertas críticas, se decida a comprar cierto cómic, novela, disco o demás productos.

Concluyendo, y para no alargarme en demasía, si vamos hilando tan fino y nos van cortando las alas de una u otra manera, llegará un momento que los que hacemos blogs de este tipo (y cada vez hay más) con ilusión y por amor al 9º arte, nos desilusionaremos y cerraremos nuestras ventanas de opinión, lo que provocará, estoy seguro, que todos los que formamos parte de este mundillo, de una u otra orilla, salgamos claramente perjudicados y el daño pueda llegar a ser irreversible. Esperemos que la sangre nunca llegue al río... creo que sería una verdadera lástima, totalmente ilógico, injusto e innecesario.

Un saludo cordial.

BRUBAKER, O LA OTRA MARVEL (CGDHS... 5)

Por supuesto, el protagonista de este post no es el film carcelario protagonizado por Robert Redford en 1980, sino el aclamado guionista estadounidense Ed Brubaker, o Bru para los amigos. A pesar de que ya son muchos los cómics en los que a lo largo de los años hemos podido comprobar el buen hacer de este autor cuyo estilo tiende con frecuencia hacia el género negro, no es hasta estas últimas semanas que realmente he necesitado escribir sobre su obra.

Y es que recientemente he terminado de leer (en la versión en inglés USA, of course) su obra más superheróica hasta la fecha, su participación en la macro saga mutante del año en Marvel Cómics, titulada Messiah Complex. Obviamente, he disfrutado mucho más con otras lecturas salidas de la mente de este guionista, bien con su refrescante acercamiento a Catwoman, su modélica etapa en Batman (pocas veces el Mejor Detective del Mundo fue tan detectivesco como con Bru a los guiones) o esa delicatessen llamada Gotham Central (reciente triunfadora de Lo Mejor del 2007 en este blog, a pocos votos del primer puesto).

Pero, con estos cómics de los X-men, Bru me ha hecho pensar. Y con eso no me refiero a que el tebeo esté escrito de tal manera que te llegue al alma y te haga cuestionarte la existencia ni nada parecido. Estoy hablando de que tras leer esta saga algo decepecionante, pero entretenida, uno puede ver que en la actualidad existen dos Marvel Comics: la de los cómics creados sólo para llamar la atención mediática, y la de otros mucho más recomendables. Y, qué casualidad, que esta última es un feudo casi exclusivo de Bru. Tal vez se salven algunos otros (Vaughan y Slott son buenos ejemplos, y Bendis aún consigue gustarme de vez en cuando), pero a mi parecer, Ed es el único que sabe convertir todos sus encargos hasta la fecha en cómics más que recomendables (incluso aquellos que en un principio debieran de pertenecer a la otra mitad).

Bien si le da por resucitar a cierto personaje del cosmos particular del Capitán América que estaba más muerto que el tío Ben, o bien si le toca acabar con la vida del propio Capi, pues nos ofrece un nuevo manual de "cómo hacer una buena historia a pesar de tener que hacerlo en mitad del típico crossover multitudinario" y convierte la colección en una de las más valoradas por el público y la crítica (como demuestra este estupendo artículo del colega Ximo).

Otro ejemplo: la colección de Daredevil, que en su etapa Bendis arrastraba tantos entusiastas como desencantados, se convierte en manos de Bru en otro indiscutible "must have". Cuando anunciaron su participación en Uncanny X-men, podía empezar a adivinarse que una serie tan comercial como la cabecera mutie corrompería esta buena racha, y nos sorprendió a todos con una épica historia en doce partes con el galáctico Imperio Shi´ar como escenario de lujo. Está claro que Messiah Complex está a años luz de Gotham Central, o incluso de sus números en Capitán Ameríca, pero al menos demuestra una coherencia y una entereza que otras historias tan publicitadas como ésta (como nuestro "querido" One More Day en Spiderman) no consiguen.

En fin, es evidente que la Marvel de Quesada con frecuencia deja mucho que desear, pero la Marvel de Brubaker, para todo aquel lector con ganas de pasar un buen rato disfrutando del noveno arte, independientemente del género predilecto de cada uno, cumple, y con creces.


P.D.: Debido al carácter netamente superheróico del post, he preferido no profundizar en obras de Bru más alejadas del género, como Sleeper o Criminal, que seguramente serán temas para CGDHS... en futuras ocasiones.

CON GANAS DE HABLAR SOBRE... (4): Powers

Me encontraba este fin de semana intentando que aquello sobre lo que me apeteciera divagar en esta sección no estuviera directamente relacionado con el cómic de superhéroes, así que pensé: ¿Por qué no hablar sobre alguna de tus series favoritas del sello Vértigo? ¿O sobre algún clásico europeo de esos que relectura tras relectura te siguen conquistando?

Y mirando con el rabillo del ojo la estantería, me quede pensando en cierta colección que hace unos años seguía con anhelo y que se encontraba algo dejada de lado en uno de los estantes: Powers. O dicho de otra manera: de forma inevitable, me dispuse a divagar una vez más sobre cómics de superhéroes.

Pero Powers es mucho más que un cómic de género. Esta colección, guionizada por el amado y odiado Brian Michael Bendis, y dibujada por Mike Avon Oeming, dibujante con grandes destrezas en cuanto a la plasticidad y la simplicidad de su trazo, posee en su historial un buen número de galardones que así lo atestiguan (empezando por el Esiner a mejor nueva serie en 2001) . La trama gira en torno a una pareja de policías que debe resolver sus casos en una ciudad poblada por pintorescos héroes disfrazados a la manera de Marvel y DC.

Al combinar dos géneros como el policíaco y el superheróico, y al trabajar con personajes de su propia creación (y que, por lo tanto, puede manejar a voluntad), Bendis ofrece alguno de sus mejores guiones, al ser ambientes y situaciones en las que se siente especialmente a gusto. Como siempre, sus puntos fuertes lucen por sí solos: diálogos rápidos cercanos a la jerga cotidiana y giros argumentales desprevenidos ayudan a entender por qué el autor ganó dos Eisner consecutivos al mejor guión en 2002 y 2003.

Oeming, dibujante cuya fama y reconocimiento han sido catapultados gracias a su trabajo en esta colección, destaca como el compañero perfecto para los guiones de Bendis. Su estilo anguloso y su frecuente apoyo en las masas de negros casan como un guante con el ambiente que necesitan estas historias. Además, si por algo se caracteriza el aspecto gráfico de Powers es por su constante innovación, mezclando viñetas con artículos de prensa, portadas y reportajes de revista, declaraciones policíacas, anuncios a doble página de coches u otros productos... todo ello siempre en función de la trama en curso.

Es cierto que, a lo largo de los arcos argumentales, pueden apreciarse ciertos síntomas de relajación por parte de los autores, pero siempre de forma excepcional y anecdótica, ya que la serie goza de un más que notable nivel de calidad media. Especialmente recomendables son los las historias ¿Quién mató a Retro Girl? con la que daba comienzo la serie, Muertes Insignificantes, una aguda alegoría crítica del mundo del famoseo actual, o Los Vendidos, última historia aparecida en nuestro país.

La serie comenzó a publicarse en USA en el año 2000, dentro de la editorial Image Comics, y así lo hizo de manera regular hasta el 2004, cuando los autores decidieron trasladarse al recién creado sello ICON de Marvel Comics. En este nuevo sello, los autores conservan los derechos de sus personajes, del mismo modo que lo hicieran en la década de los ochenta aquellos participantes del fallido sello EPIC, también de Marvel.

Por desgracia, este cambio de editorial en USA ha provocado en nuestro país un parón en la publicación de esta excelente serie, que hasta su número treinta fue publicada en tomos por Planeta DeAgostini Cómics. Al perder ésta los derechos de publicación de Marvel Cómics hace ya más de tres años, le toca a Panini actuar para continuar la publicación. Pero al pertenecer la serie al sello ICON y, por lo tanto, ser los derechos de la misma propiedad de los autores, el tema se encuentra en un interminable punto muerto.

Ojalá sirvieran textos como éste para animar a los editores de Panini a agilizar este proceso, ya que es evidente que todo un nutrido grupo de aficionados nos hemos quedado con ganas de continuar disfrutando con las aventuras de los detectives protagonistas de Powers, una colección que no queremos que acabe aparcada como otro "deseo publicable".

CON GANAS DE HABLAR SOBRE... (2): One More Day-Brand New Day

El equipo de Trazos en el bloc no puede asegurar que esta columna de opinión esté bien escrita, pero sí puede asegurar que no contiene spoilers.

Era inevitable. Son muchos, muchos años (tal vez demasiados, apuntaría más de una abuela o tía carca que tengo la suerte de tener en la familia) los que llevo leyendo las aventuras del amistoso vecino, Spiderman. Son muchas, muchas las veces (también demasiadas, opina más de una vez mi propio sentido de la autocrítica) las que he seguido historias en sus colecciones que difícilmente conseguían el calificativo de "pasables". No obstante, también han sido muchas las veces que he leído relatos apasionantes protagonizados por el trepamuros.

La etapa de J. M. Straczynski en Amazing Spiderman difícilmente caerá en el olvido de mis lecturas pasadas. En primer lugar, por que todo el grueso de la primera parte de su estancia en la colección, cuando fue acompañado a los lápices por John Romita Jr. (cuánto debemos los seguidores del Hombre Araña a este apellido), fue una deliciosa delicatessen primero leída en los tomitos mensuales, y gracias a unos Reyes Magos generosos, ahora releída en BoM (los polémicos tomos de Panini, que, cuando te los regalan, pierden toda polémica y conservan todo su encanto :).

Tras años de historias mediocres, las aventuras del lanzarredes gozaban por fin de aire fresco (para muestra, la efímera conversación de las palomitas entre Spiderman y un orgulloso newyorkino, en el Amazing Spiderman 40) y, además, de un leit motiv interesante y original (todo el componente mágico y arcano de esas historias abría interesantes puertas).

Pero al abandonar la colección JRJR, a Straczynski comenzaron a vérsele signos de fatiga (la saga de Pecados del Pasado da buena cuenta de ello). Su tratamiento de la Civil War y la posterior saga Back in Black (acompañado de otro portento del dinamismo y la narrativa, Ron Garney) dejaban sin embargo buen sabor de boca con respecto a sus últimos trabajos en la colección.

Y entonces leo One More Day, la saga donde este guionista de difícil apellido cierra su labor en Amazing Spiderman (bueno, mejor dicho en las tres colecciones de Spidey, ya que es en cada una de ellas donde se ofrece un capítulo de esta historia). Y como una inmensa cantidad de aficionados, hordas de ellos (si lo de hordas os parece exagerado o grotesco, echad un ojo al vídeo de uno de esos fans mosqueados), quedé decepcionado por el resultado. Si bien es cierto lo que Julián M. Clemente afirmaba en su estupendo sitio sobre el trepamuros, bajolamáscara, que el cómic, como la mayoría de los escritos por JMS, está bastante bien escrito, sobre todo para ser el encargo editorial que en realidad es la historia, la broma final de la saga es poco menos que una burla que un Mefisto-Quesada (Mefisto es el villano de la historia en cuestión) nos hace a los aficionados.

Antes de ponerme a escribir esta columna pensé que, tal vez, los cambios que suponía One More Day en las historias de Spiderman merecerían la pena y servirían para hacer cómics más interesantes. El plantel de autores que se avecinaba en la colección (Dan Slott y Steve McNiven, Salvador Larroca, Phil Jiménez...) así parecía indicarlo. Pero, y a pesar de haber leído sólo el primer número de Brand New Day, es decir, de la nueva etapa que convierte a la colección Amazing Spiderman en la única superviviente de las tres existentes hace un par de meses, y con una periodicidad casi semanal, puedo afirmar que, desde mi humilde punto de vista, no merece la pena.

No merece la pena cabrear a esa legión de aficionados. No merece la pena emular a cierta Distingida Competencia y sus constantes cambios en la continuidad. No merece la pena perder la credibilidad que tenía la trayectoría vital del personaje de ficción de Peter Parker. No merece la pena meter a más de un guionista en un embolado de situación de la que es díficil salir para crear algo que satisfaga al lector. No merece para nada la pena. Más que nada cuando lo evidente es que todo esto se ha hecho única y exclusivamente por que al editor en jefe de Marvel había algo (prometido gente, free of spoilers) en los cómics de Spiderman que "no terminaba de gustarle".

Como decía al principio de esta entrada, era inevitable. Sentía como algo inevitable el unirme a esas voces de protesta que pueblan estas semanas las webs sobre cómics. Mi pasión por el personaje creado por Stan Lee y Steve Ditko así lo pedía. Nunca antes me había animado a hacerlo . Ni la Civil War, ni el Capitán América nº 25, ni la nueva colección del Capitán Marvel, ni ninguna otra estratagema de la Marvel actual me habían parecido dignas de quejarse de ellas, y muchos de esos cómics, incluso, me habían parecido muy buenas obras de entretenimiento.

Seguiré leyendo Amazing Spiderman, y ojalá que dentro de un tiempo pueda decir que me alegré de que One More Day se llevara a cabo, pero, hoy por hoy, Quesada lo ha conseguido. Otro aficionado a los cómics empieza a odiarle. Y tras One More Day, creo que no somos pocos.

CON GANAS DE HABLAR SOBRE... (1): Mark Millar

Esta semana: Mark Millar.

Bienvenidos a la primera sesión de Con ganas de hablar sobre... , una nueva columna con la que espero, semana tras semana, haceros pasar un buen rato. En esta sección pretendo eludir en cierta medida la estructura habitual de la reseña, y simplemente divagar (ups!, no debí usar esa palabra, los lectores de la Dolmen van a captar demasiado rápido mi influencia más directa: But I Digress, de Peter David) sobre algún tema del que, como bien dice el título, me apetezca hablar.

Para calentar un poco el ambiente, hoy me gustaría hablar sobre uno de los autores del cómic estadounidense que más ríos de tinta hace correr, tanto real como virtual: Mark Millar. Este guionista británico es experto en hacerse oír y, sobre todo, en hacer hablar. Pero no dedicaré esta columna a discernir sobre sus típicas declaraciones controvertidas, con las que no suele dejar títere con cabeza (recientemente, nos regaló un buen par de lindezas donde nos dejaba a los españoles a la altura del primate).

Tampoco me siento especialmente con ganas de hablar de sus nuevos proyectos en Marvel, a pesar de que su etapa en los 4 Fantásticos, acompañado por el espectacular Bryan Hitch, nos tenga a muchos espectantes y en ascuas, pues promete por lo menos originalidad y toneladas de entretenimiento. O de la original forma de promocionar su nuevo proyecto dentro del llamado Millarverso (no, este hombre no tiene problemas de falta de ego, no señor), Kick- Ass, junto con John Romita Jr., ni de su original forma de promocionarlo (con una página MySpace donde el protagonista nos cuenta sus vivencias como super-adolescente, con vídeos incluídos).

Y, aunque parezca mentira, no dedicaré mi tiempo a discutir sobre si Civil War, su última gran saga en lo que a promoción, ventas y repercusión se refiere, es o no una obra que merezca la pena más allá de su publicidad y las trabajadas páginas de un Steve Mcniven en auge (sí, definitivamente se podría escribir una columna sobre lo buenos que son la gran mayoría de dibujantes que ilustran las obras de Millar).


Hoy, y tras leerla de nuevo gracias a la redición que el pasado 2007 Norma nos obsequió en tomo, me dispongo a alabar su fresco, dinámico y sobre todo, divertido, primer arco argumental en The Authority.

Ya hace un tiempo que la primera edición (en grapa, y por parte de Planeta en su sello World Comics) de esta historia, titulada El Nacimiento, cayera en mis adolescentes manos. Sin lugar a dudas, si con algo se recibía aquel número era con espectación, tras los inolvidables doce primero números de la colección que por obra de Ellis y Hitch, nos presentó al más irreverente y, en su momento, demoledor grupo de superhéroes.

Y si bien aquellos primeros números se mantienen hoy vivos en mi memoria, la saga escrita por Millar y dibujada a la perfección por Frank Quitely (maestro en la captación del tiempo en viñetas y de la composición de página) permanecerá para siempre como una de las mejores lecturas a recomendar dentro del género superheróico.

Tanto lo potente de la premisa (dos superpotencias mundiales, una un grupo anarquista y otra una superagencia secreta gubernamental, compitiendo por la custodia del recién nacido espíritu del siglo XXI, encarnado en un bebé con malas pulgas), como las pinceladas de humor macarra (-¿Qué clase de superhéroes se presentan en una pelea apestando a alcohol?- Los peligrosos.) como el metalingüismo sobre el género (puede identificarse en el villano de la saga al autor de cómics Jack The King Kirby, maestro entre maestros, y a su ejército, con la mayoría de héroes Marvel) como la gran variedad de formas de conflicto entre superseres, que demuestran mucha imaginación, y aún más amor por el género, hacen de estos cuatro números USA una lectura sin desperdicio.

Y tras esto, muchos opinaréis, Vaya, nos ha colado una reseña cuándo lo primero que ha dicho es que de ellas quería alejarse, y si bien es cierto, mi intención era más bien recordar cómo a veces, las buenas obras de un autor, por culpa en ocasiones de su propia personalidad controvertida y grosera, por la aparición posterior de obras más publicitadas pero menos creativas, o por su integración en el engranaje empresarial del negocio del cómic mainstream, quedan olvidadas y ninguneadas.


Gracias por vuestro tiempo y por vuestra paciencia, y hasta la semana que viene.

LAS CHICAS DE LA BD: “NATACHA, Azafata de Vuelo”

Mi primera toma de contacto con la BD francófona fue hace ya unos cuantos años cuando se publicó en España la edición patria de la revista SPIROU. Acostumbrados a leer sólo las publicaciones de Bruguera, la llegada a los quioscos de esa publicación supuso un soplo de aire fresco y de nuevas propuestas para nosotros, lectores encasillados por el único mercado conocido hasta la fecha. Autores desconocidos, historietas de todos los géneros y con estilos de dibujo diferentes para aquellas páginas tan innovadoras (en cierto modo así era, porque aunque ya se conocían algunos autores franco-belgas, no había una publicación específica que los reuniese).

Estábamos aún distantes de otro tipo de propuesta de tebeo más adulto (eso llegaría más tarde) pero para un chaval de 12 años, algo que no fuese Mortadelo era toda una novedad; decir que no tengo nada en contra del personaje de Ibáñez al que considero un clásico, pero al que no le perdonaré que se apartase de la línea de “El Sulfato Atómico” y de “Valor y al Toro” entre otras, época en que se notaba la influencia de Franquin para crear esas magnas obras.

Seguí fiel a la publicación hasta que desapareció; era normal que eso pasase, porque la verdad sea dicha, no parecía haber muchos lectores que siguiesen esta línea. Es lamentable que el tebeo se considere en España algo para niños y para “frikis” y que cuando entramos en la edad “adulta” se dejen de lado por cultura y se consideren cosas más serias y dignas de atención el fútbol y los diarios económicos, por poner sólo dos ejemplos.

Sería interminable la lista de personajes con los que crecí y disfruté; aunque mis gustos han evolucionado, hay personajes y autores que nunca se olvidan y a los que seguimos contando entre nuestras favoritos. No en vano, hay álbumes que forman parte de mi biblioteca y que ocupan un lugar destacado entre mis favoritos.

Uno de esos personajes (y de sus autores de los que hablaré después, porque van inevitablemente unidos) es “NATACHA, la Azafata de Vuelo”. Para mí, apareció por primera vez en las páginas de SPIROU en su última etapa cuando la publicación pasó a ser mensual, periodicidad que presagiaba su desaparición. La primera aventura que yo leí se titulaba “El Treceavo Apóstol” y se corresponde cronológicamente con el sexto álbum del personaje. Se narraban las aventuras en la mejor línea del thriller cinematográfico de Natacha, una azafata de líneas aéreas, a la que le sucedían peripecias variadas en el tiempo en que no estaba ejerciendo su profesión.

Aunque aquella fue mi primera toma de contacto con las aventuras de la azafata, sus álbumes se empezaron a publicar en España gracias a las ediciones mejicanas de la famosa Editorial Novaro, muy conocida por la introducción de los tebeos de Superman y Batman. Es cierto que las traducciones al castellano eran un poco peculiares, pero gracias a esa editorial, podíamos leer algunas otras cosas, aunque fuesen esos tebeos adquiridos en el rastro de mi ciudad y en tiendas de libros usados. ¡Qué dura era la vida del joven coleccionista!

Acción, intriga, personajes buenos, personajes malos, tiros, persecuciones, escenarios exóticos…de todo un poco para enganchar al lector a través de un tebeo ágil y dinámico que, como no, atraía inevitablemente todas las miradas gracias a un estilo de dibujo magnífico y, como no, al personaje principal. ¿Quién no se dejó atrapar por esa mirada de grandes ojos oscuros, por aquellos cabellos rubios y sobre todo, por ese cuerpazo de larguísimas piernas?

Natacha era el sueño hecho tebeo de cualquier lector adolescente. Nunca antes había caído en mis manos una historia con un personaje tan sugerente y tan alejado de todas las heroínas que había visto hasta la fecha. En un país tan mojigato como el nuestro, donde la pobre y casta Esther iba vestida hasta las orejas, Natacha, con aquella silueta y aquellos sugerentes bañadores, era capaz despertar deseos ocultos para cualquier lector. Algo así como lo que sintieron los espectadores de “James Bond contra el Dr. No” vieron salir del agua a una Ursula Andress con aquel bikini blanco.

Supongo que a estas alturas de artículo, nuestra lectoras femeninas habrán soltado más de una expresión de desaprobación y lo que puede ser más probable, habrán dejado de leerlo. Sinceramente, lo siento por ellas, pero es que Natacha bien se merece mi atención, no hay más que verla y como a sus 40 años recién cumplidos se conserva como el primer día. De hecho, el álbum nº 20 acaba de ver la luz en Francia.

Todo este disfrute se lo debemos al dibujante belga, François Walthery, quién desde las páginas de la revista SPIROU allá por el año 1967, hizo aparecer por primera vez a su azafata. El primer albúm se llamó, como no podía ser de otra manera, “Natacha, Azafata de Vuelo” y tal y como se demuestra a través de 40 años de personaje y de 20 álbumes, la serie ha sido un éxito. Es de suponer que gran parte de ese éxito, sea gracias al acierto de Walthery con su creación; la inspiración para dibujar a Natacha viene de algunas de las más conocidas cantantes de la época, en especial de France Gall, prácticamente desconocida en nuestro país.

El proceso de creación lo explica el propio autor a través de las páginas que aquí reproducimos. Siento mucho que estén en francés, pero con un poco de esfuerzo, se puede fácilmente entender cómo Walthery creó su personaje estrella.

Es realmente gratificante que las aventuras de Natacha continúen hoy en día, porque son tebeos que no se pasan de moda y que siguen teniendo su público, tanto el veterano como el que se acaba de incorporar a este mundo. La pena es que no podamos ver editadas sus historias en nuestro país y que éstas sean difundidas entre los jóvenes lectores; creo que serían capaces de crear afición, cosa que vendría muy bien para desarrollar un poco la imaginación en estos tiempos de incultura que corren.

Tan sólo me queda reseñar un par de páginas web, también en francés (lo siento, pero nunca es tarde para que aprendáis idiomas los que aún no sepáis), donde podréis poneros al día en todo lo que os gustaría saber sobre el personaje y su creador, tal que la web oficial y Natachamanía, web no oficial, pero que está mucho mejor que la otra, sobre todo por la cantidad de ilustraciones disponibles.

Y no me resta más que desearos a todos, los que la amáis y a los que llegaréis a amarla, que cuando viajéis en avión tengáis la suerte de que os toque una azafata como ella. ¿Quién sabe?

"SPECTRUM: Lo Mejor en Arte Fantástico Contemporáneo"

Entre mis preferencias del mundo del 9º arte en general, hay una de la que no había hablado aún y que es una de mis pasiones ocultas, aunque no puedo dedicarme a aumentar mi biblioteca siempre que quiero, porque el desembolso económico es bastante considerable.

Pero, a pesar de todo, de vez en cuando me doy un capricho y adquiero algún que otro volumen de lo que se conoce como el género de la "Ilustración".

¿Quién no ha disfrutado con las fabulosas portadas de comics, discos, libros, carteles de cine, etc. que nos deleitan con imágenes fantásticas y qué atráen nuestra mirada irremediablente hacia ese objeto, aunque no nos interese nada su contenido?

Cuando era pequeño, veía esas imágenes y me quedaba encandilado mirándolas mientras me preguntaba como estarían dibujadas. Todo los materiales de dibujo que yo tenía a mi alcance no eran capaces de darme los colores ni el resultado que veía en aquellas imágenes. Con el tiempo y el conocimiento, fuí profundizando en la técnica y descubriendo a algunos de los artístas ilustradores más conocidos y descubriendo cómo era posible lograr aquellos resultados tan espectaculares. Es cierto, y no puedo dejar de mencionar, que no solo la técnica, sino el talento de esos ilustradores, son capaces de proponernos algunos de los viajes más alucinantes en el mundo de la imaginación.

Como buen coleccionista de imágenes, busqué y fuí capaz (a veces a duras penas) de encontrar libros específicos de ilustración, donde tenía la gran oportunidad de disfrutar en sus páginas a todo color, en papel de gran calidad, satinado... del trabajo de aquellos artistas de los que admiro su gran talento, maestría y creatividad. Cada página se hojea lentamente una y otra vez, recorriendo las imágenes hasta los más mínimos detalles, descubriendo en cada mirada nuevas interpretaciones de cada ilustración... como disfrutar de una misma ciudad en cada viaje, porque siempre somos capaces de verla de una forma diferente.

Una de esas propuestas visuales se llama "SPECTRUM: Lo Mejor en Arte Fantástico Contemporáneo". Corría el año 1995 y estando de vacaciones en Washington D. C. encontré el tomo nº 2 en una librería. Como buen fanático de este tipo de arte, me compré ese volumen. No sabía exactamente en que consistía esa edición; como era de arte fantástico, simplemente me lo compré.

Pero una vez que entré al detalle de la edición, me dí cuenta de que aquella publicación no era sólo un libro de ilustraciones, sino que se trataba de una recopilación de las mejores ilustraciones del año en el tema de arte fantástico en diferentes niveles de difusión: Publicidad, Portadas de Libros, Cómics, Arte Conceptual, Escultura, Ilustración de Editoriales, Ilustraciones Institucionales y, por último, Ilustaciones Inéditas. Además, la razón de la existencia de SPECTRUM es, no sólo recopilar lo mejor del año, sino premiar a los mejores trabajos del año en cada una de las categorías. Son los premios y el reconocimiento del trabajo de los artistas por los propios artistas.

Realmente, gracias a esta iniciativa de los editores Cathy Fenner y Arnie Fenner y a su amor por este arte, los que disfrutamos con la ilustración tanto como con los tebeos (y algunas veces un poquito más, tengo que confesarlo) tenemos la oportunidad de tener a nuestro alcance una colección con lo mejor del año a juicio de estos dos editores. Quizás sea un poco a su gusto, quizás sea un poco al estilo americano, pero realmente no me importa porque disfruto enormente con este género.

Este año está resumido en la edición nº 14, cuyo ejemplar he podido adquirir en mi tienda de cómics habitual (un saludo a Alicia, mi librera) porque afortunadamente los tiempos han cambiado y ya se pueden encontrar libros de ilustración en muchos más sitios que no sólo en Madrid y Barcelona (y no digamos en internet).

Para los que queráis acercaros al mundo de la ilustración, algunos nombres que ilustran este artículo: Stephan Martiniére, Jon Foster, Adam Hughes, Jason Chan, Donato Giancola... hay muchos más, pero si queréis saber cuáles, compraros el libro como regalo de Reyes, ¡qué mejor capricho!

"BLADE RUNNER", 25 años de culto.

Parece mentira, pero ya han pasado 25 años desde que se estrenó la que, en mi muy particular opinión, es una de las mejores películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos, de los pasados y de los que han de pasar.

Era el otoño de 1982, cuando el anuncio del cartel de la película apareció en los diarios de la época, con una gran imagen de Harrison Ford sobre el fondo de la futurística ciudad de Los Ángeles. Esta imagen y el nombre de su protagonista que se convertían en el principal reclamo de una película a la que mayoritariamente acudíamos jovenes entusiastas del género.

No sabía de qué trataba y aún no me podía imaginar lo que iba a presenciar, pero tenía la certeza de que me iba a gustar. No en vano, "Indiana Jones" era uno de mis actores favoritos, y cualquier película donde saliera tenía que ser buena a la fuerza. Así que me fui al cine una tranquila tarde de sábado yo solo, puesto que el cine me encanta y qué mejor forma que disfrutar de una buena proyección.

Tras unos títulos de créditos soportados por los golpes de efecto de su banda sonora, se mostró ante nosotros un universo visual que no habíamos visto hasta el momento. Una concepción del futuro cercano que fue capaz (por lo menos en mi caso) de pegarme al asiento durante las dos horas de película que duraba la cinta.

La tercera película de Ridley Scott colocaba a este director británico venido del mundo de publicidad como uno de los creadores más innovadores en lo que al diseño de producción se refiere. Dicen que una imagen vale más que mil palabras, y todos sabemos que el cine es imagen en movimiento capaz de contar una historia. Es muy difícil contar una historia en imágenes y que ésta tenga la suficiente fuerza para enganchar al espectador, pero si se encadena la narración y se aportan los elementos visuales en la forma idónea, se puede llegar a conseguir.

Eso es lo que en mi opinión había conseguido Blade Runner en el momento en que salí del cine. Las imágenes que acababa de ver, seguían repitiéndose con fuerza en mi retina y los ecos de la historia seguían dándome vueltas en la cabeza.

A pesar de la opinión de todos aquellos a los que nos había entusiasmado la película, el público, la crítica de la época y varias revistas especializadas, no fueron muy receptivos ante la propuesta de Scott. De todo lo que leí, me quedaré con un titular que decía: “¿Cómo una película del director de Alien, una historia de Philip K Dick, y que copia a Moebius, puede estar vacía?”. Aún estoy preguntándome que fue lo que no les gustó.

A partir de ese momento, Blade Runner se convirtió en una de mis películas favoritas de todos los tiempos (quizás mi favorita) que, siempre que tenía ocasión, revisionaba en aquellos cines en que periódicamente se reponía. Se convirtió en la película que más veces había ido al cine a ver. Recuerdo especialmente una proyección en un cine de Washington D. C. (USA), uno de los pocos que aún quedaban con pantalla gigante en curva para proyecciones de 70 mm (pongamos unos 7 metros de altura de pantalla y donde se perdía la vista hacia los extremos de la misma); en una sala así, la experiencia visual se multiplicaba por mil.

A medida que iba pasando el tiempo, fue cuando comencé a profundizar más en los otros aspectos de la película, los aspectos formales que más podían interesarme de una producción como aquella. Mi predilección por lo visual, hizo que buscase al responsable de la concepción de aquel futuro imperfecto: Syd Mead. Uno de los artistas más rompedores y que ha marcado escuela en el diseño actual. Son numerosas las ilustraciones que podamos haber visto y las participaciones como diseñador en películas (TRON, Aliens), además de otros proyectos de más envergadura. Por otro lado, Douglas Trumbull, responsable de efectos visuales, con una fama que le precede desde la ya mítica 2001: Una Odisea en el Espacio. Y no nos olvidemos de la música de la película, parte fundamental de la narración y que nos acompaña durante toda la proyección; la obra de Vangelis, como casi toda su música para el cine, es de aquellas que todo el mundo reconoce con sólo escucharla.

Es curiosa la evolución de la cinta, que desde su fallido estreno en cine, pasó a convertirse en una cinta de culto a raíz de su edición en vídeo (en la época en que se recortaba el formato para adaptar las películas a las estrechas mentes de los televidentes) y que con el tiempo ha venido a ocupar el sitio que le corresponde entre las mejores y más influyentes películas de Ciencia Ficción de todos los tiempos.

No en vano, a los 25 años de su estreno, su perfeccionista director ha vuelto al trabajo sobre la obra, y no contento con lo hecho hace unos años al realizar su montaje de la película, acaba de estrenar en Venecia la que esperemos sea su visión definitiva. Se han rodado algunas escenas para arreglar ciertos detalles de continuidad (problemas de presupuesto y algunas prisas, como la escena del retiro de la replicante Zhora) y retocado los efectos especiales (son sonadas las escenas donde se veían los cables del vehículo policial) puesto que a estas alturas, poco más se puede añadir. No voy a ser yo quien enumere todos los fallos de la película, pero podéis ir sobre la siguiente dirección para ver cuantos fallos han encontrado los espectadores.

También resultan muy curiosas las múltiples lecturas que se podrían hacer en base a todas las anécdotas del rodaje de una película que para nada fue fácil.

¿Y qué podríamos decir del reparto de la película? Parece que, a excepción de Harrison Ford, ninguno de los restantes actores ha conseguido levantar cabeza después del rodaje, encasillados en películas de serie B o en series de televisión. Parece que esta obra maestra, llevaba consigo algún tipo de maldición.

No me imagino como puede hacerse una película tan buena sabiendo como transcurrió el rodaje, lleno de tensiones entre los actores y los técnicos con el director, algo así como un ambiente de guerra fría. Si al ya de por sí compulsivamente perfeccionista Ridley Scott unimos el que es británico (por todo aquello de la flema), obtenemos una personalidad desquiciante; no en vano son muy conocidas las discusiones entre él y Harrison Ford. Y cómo este último podía rodar sus escenas con Sean Young, a la que no podía soportar.

Para éstas y otras curiosidades, os recomiendo sólo dos páginas, ésta y esta otra, donde podéis encontrar con todo lujo de detalles los aspectos más importantes sobre esta producción. Prestad especial atención a los enlaces (muchos de ellos en inglés) donde podréis encontrar todo aquello que os gustaría saber sobre esta película. Creo que podréis encontrar todas las páginas que me gustan sobre el tema; así me ahorro el tener que citarlas, porque sería larguísima la lista.

Después de 25 años, aún quedan más sorpresas, puesto que Blade Runner ha vuelto a los cines de los USA en Octubre de este año 2007 en la que esperemos sea ya la versión final del director, y para todos los que somos seguidores, en Diciembre saldrá a la venta la edición en DVD con todos los montajes que se han hecho de la película (la versión USA, la versión europea, el montaje del director y por fin, el montaje final).

Es, en definitiva, una de esas películas que ha sido capaz de influir en las producciones realizadas a posteriori, como una marca de la casa que de un modo u otro influye en otros creadores y que al ver sus creaciones, siempre nos recuerda las atmósferas creadas por Scott: ciudades oscuras, ambientes cargados, iluminaciones neblinosas, y como no, una lluvia incesante que no para de caer…

Me gustaría terminar estas impresiones con una de las frases del replicante Roy justo antes de terminar su papel, una de esas frases que todo el mundo recuerda y que improvisó Rutger Hauer para no tener que soltarse todo el texto inicial escrito por los guionistas, pero que ha quedado marcada en nuestra mente “…todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia”.

Creo que Blade Runner no se perderá bajo la lluvia.

NUESTROS HÉROES DE PAPEL: "EL ESCORPIÓN"

Un buen día, a alguien de este Blog se le ocurrió la feliz idea de que cada uno de los miembros que aquí escribimos de tebeos y algunas cosas más, eligiésemos unos personajes para que fuesen nuestros "Alter Ego". Así lo hicimos, y a partir de ahí quedamos en plasmarlos en forma de nuestras propias versiones de los personajes.

Desde entonces, el tiempo ha pasado y estando una tarde libre y con ganas de dibujar, lo que me ocurre muy de cuando en cuando, me puse manos a la obra y decidí hacer mi propia versión caricaturizada del personaje que yo había elegido.

A mí se me ocurrió escoger a "El Escorpión", el insigne aventurero creado por Desberg y Marini, famoso por su destreza con la espada, capaz de clavársela en el corazón de sus enemigos y de "clavársela" en el corazón de sus conquistas (¡¡¡je, je, je!!!). Enemigo infatigable de los Trebaldi, busca venganza por la muerte de su madre, en esas lides se entera de quién es su padre, busca el más oscuro secreto de la Cristiandad, amén de otras miles de aventuras que van por su septimo tomo, etc, etc...

Así pues, a mí me ha tocado inaugurar esta sección, en que periódicamente (y ya veremos cada cuanto) os iremos presentando a algunos de nuestros "Héroes de Papel", los que cada uno de los que hacemos este Blog elijamos, y hasta puede que aceptemos algunas otras sugerencias, para darles forma de personal visión gráfica y rendir un pequeño homenaje a esos personajes que tanto nos gustan y con los que tanto disfrutamos cada vez que leemos sus aventuras. Afortunadamente, los podemos tener en nuestras manos siempre que queramos, con sólo abrir las páginas de un tebeo y sentir que somos ellos, porque para eso podemos usar nuestra imaginación y dejarnos llevar por las aventuras de un creador que primero pensó en el personaje y de otro, o tal vez el mismo, que lo dibujó y le dió vida.

Espero que os guste esta nueva sección.

Una LECTURA RECOMENDADA: “De Capa y Colmillos (3)” y dos sugerencias, “Robín de los Bosques” y “La Liga de los Hombres Extraordinarios"

La lectura recomendada de hoy es una historia ya conocida y citada por mí en anteriores ocasiones. Norma publica el tercer tomo de “De Capa y Colmillos”, guión de Ayroles y dibujo de Masbou.

Siguen las aventuras de nuestros héroes por los caminos de la imaginación de sus autores, con una nueva entrega. Es bastante rápida su publicación, ya que en Francia van por el septimo tomo y aquí, al ir con retraso, se nos va a hacer menos lenta la espera. Con sus aventuras viajaremos rumbo a las islas Tingitanas en busca de sus tesoros, nos encontraremos con los piratas, aparecerá una hermosa mujer (un nuevo aliciente), tormentas, monstruos marinos y... y muchas cosas más. Sólo tenéis que leeros este nuevo álbum.

¿Por qué me gusta? Grafismo de vivos colores, aventuras en estado puro, diversión asegurada y sin complicaciones existenciales. De vez en cuando es bueno consumir una obra simplemente por el hecho de evadirnos de la rutina diaria. ¡Estoy esperando la continuación!

Y las sugerencias de hoy juntan dos estilos muy diferentes; por un lado un título de Bande Dessinée y por otro, un título de Comic. Aunque no soy un gran aficionado al “Comic” (categoría del tebeo anglosajón), de vez en cuando encuentro algún álbum que merece mi atención.

La primer lectura es “Robín de los Bosques” de Manu Larcenet y publicado por Norma Editorial. Aproximación al mito de Robin Hood desde el mordaz punto de vista de Larcenet que sitúa al héroe de los bosques de Nottingham en la tercera edad y en una época cercana a la nuestra, aunque tomándose grandes licencias históricas y literarias y alguna que otro anacronismo. Me recuerda en su planteamiento al de “Robín y Marian”, la película de Richard Lester. Acompañado de su fiel Little John, Robin vive (o malvive en el bosque) aquejado de principios de senilidad y rememorando viejos tiempos.

La segunda recomendación es el segundo tomo de “La Liga de los Hombres Extraordinarios”, de la Editorial Planeta DeAgostini, magnífica (en mi opinión) segunda aventura del grupo de personajes famosos de la literatura tomados prestados de sus autores por Alan Moore y Kevin O’Neill. Una magnífica adaptación de la “Guerra de los Mundos” de H. G. Wells principalmente, aderezada con muchas cosas más. De cómo se puede adaptar una gran novela y no destrozarla, tal y como hizo un famoso director de cine americano recientemente en lo que se puede calificar de “bodrio”.



Para más información sobre estos títulos, podéis leer las crónicas de este mismo blog aquí y aquí.

LECTURAS RECOMENDADAS: “El Señor Jean (6): Hora de Hacer Balance” y “ORBITAL (1): Cicatrices”

Dos novedades editoriales de NORMA venidas del país vecino. Dos autores consagrados con marca de la casa, Dupuy-Berberian (Philipe y Charles) y un equipo de jóvenes autores que se abren camino en la Ciencia-Ficción.

Los primeros citados presentan el sexto tomo de las vivencias de unos de sus más conocidos personajes, El Señor Jean. En este álbum que lleva por título “Hora de Hacer Balance” nos encontramos con una nueva etapa de su protagonista en la que después de dar el salto y de irse a vivir con su amada y la hija pequeña de ambos a un nuevo apartamento, el recuerdo de su vieja cama, regalo de sus abuelos y ahora en su viejo apartamento que ocupa ahora su amigo Víctor, hace que la visión de sus abuelos le lleve a plantearse dudas en su relación.

¿Por qué me gusta? A su particular grafismo que ha creado toda una legión de seguidores de su estilo (con resultados no demasiado acertados) se unen unas historias muy personales, sobre la vida cotidiana, experiencias que son cercanas a los lectores, porque a todos, en algún momento nos han surgido la dudas o hemos tenido las aspiraciones y los anhelos de los personajes que deambulan por el universo Dupuy-Berberian.

La otra novedad es la de “ORBITAL: Cicatrices”, álbum de ciencia-ficción realizado por el tamdem Sergé Pellé y Sylvain Rumberg. La nueva generación de creadores nos propone una de aventuras e intrigas espaciales, para darle más aliciente a una historia en que la raza humana se encuentra relegada a ser una raza más en el universo, y no sólo eso, sino que además se encuentra denostada y perseguida.

¿Por qué me gusta? Soy un apasionado de la buena ciencia-ficción y casi todo lo que tiene que ver con el tema, me interesa en un principio. Es así que le he prestado mi atención a esta obra, que se inspira sin posibilidad de ocultar sus fuentes en obras clásicas como VALERIAN de Christin y Mézieres, no tan clásicos como ESTELA de Morvan y Buchet y de fuentes cinematográficas como MATRIX. No puedo decir que esta obra sea magnífica, pero en líneas generales está bien y merece la pena darle un voto de confianza que esperemos sea reforzado según cómo se desarrollen próximos álbumes. Si a esto unimos la escasa oferta de títulos del género, es fácil no pasarla por alto.

LECTURAS RECOMENDADAS: “BD BANDA”

Para la recomendación de hoy, simplemente un título que es el correspondiente a una nueva publicación a nivel nacional. Se trata del número 1 de “BD BANDA”, revista de periodicidad semestral durante éste su primer año, y que pasará a ser trimestral si todo va bien en el que sea su segundo año de vida.

El colectivo del mismo nombre que edita la revista, no es nuevo como editor, sino que lleva toda una andadura desde que apareció por primera vez como fanzine allá a principios de la década. Su larga experiencia y su buen hacer les ha llevado a lanzarse a nivel nacional desde su Galicia natal, para mostrarnos a todos los que nos queramos acercar a su forma de entender el tebeo, que hay mucho más que las grandes editoriales en el panorama actual. Gracias al interés y la inquietud de nuevos autores por abrirse camino en este duro arte, es como se han dado a conocer en un mercado como el nuestro, que tan pocas oportunidades ofrece a los talentos poco conocidos. Lo cierto es que no será por falta de calidad…

Del contenido de este primer número, quiero destacar lo qué más me ha gustado:

1) Una estupenda portada y una nueva historia que recupera un personaje tan poco prodigado pero todo un icono, “Calavera Lunar” de Albert Monteys.
2) Vuelvo a leer historietas de uno de mis dibujantes nacionales favorito, Calo. En esta ocasión con “Julie” y sus aventuras de verano. ¡Una delicia!
3) “Escamado” de Porto y Rivas, que aunque es la primera vez que leo algo suyo, ya estoy deseando la publicación de la continuación.
4) “Peter Schlemilh” de Portela e Iglesias, una historia con mucho que me recuerda a las de la colección Poisson Pilote.
5) Y por último, “Las Serpientes Ciegas” de Cava y Seguí. Lástima de “continuará”.

El que destaque a algunos no quiere decir que me olvide del resto. En líneas generales, creo que esta publicación merece la pena en todo su conjunto, ya que desde su portada resulta muy atractiva y su contenido no desmerece en absoluto; hacía tiempo que no disfrutaba tanto con una revista periódica de tebeos.

De su edición, destacar la gran calidad de la impresión, en papel “del bueno”, a todo color y en un formato reducido que facilita su manejo, aunque tiene el inconveniente de una letra un poco pequeña.

Desde aquí, simplemente recomendaros que leáis este primer número de “BD BANDA” y que saboreéis cada una de sus páginas (¡no hace falta que os comáis el papel!) con mucha calma y detenimiento; hay talento creo que para rato.

LECTURAS RECOMENDADAS: “El Gato del Rabino: 5. Jerusalén de África” y “Persépolis: El Integral”

Hoy traemos dos lecturas de dos autores más de la que yo llamo la Nouvelle Bande Dessinée, y de la que últimamente recomiendo bastantes títulos ya que las editoriales parecen haberse puesto de acuerdo en publicar todos los volúmenes al mismo tiempo. Parece que seguimos como siempre, una veces mucho y otras prácticamente nada.

Pero a lo que vamos, a presentar estos dos títulos publicados por Norma Editorial. El primero de ellos es el quinto tomo de las aventuras filosófico existencialistas de “El Gato del Rabino” que lleva por título “Jerusalén de África”. De nuevo Joann Sfar, uno de los más populares miembros de esa nueva generación de dibujantes que han conseguido romper con lo convencional, nos presenta una más de sus muy intimas historias de las que es protagonista el gato del Rabino, el que da nombre a la serie y donde tenemos una pintura rusa y una aventura por toda África a la búsqueda de la doceava tribu de Israel.

¿Por qué me gusta? Partiendo de su peculiar estilo de dibujo nada academicista, Sfar consigue que nos sintamos parte de las historias de una cultura de la que él forma parte y para la mayoría de nosotros es casi una desconocida. En fin, un autor que ha conseguido romper moldes y lo sigue haciendo en cada nuevo albúm que publica.

Para más información sobre la serie, volved sobre el post de Ximo desarrollado sobre esta obra en este mismo blog.

Y después de Sfar, una amiga y compañera suya que sigue muy de cerca ese espíritu creativo. Se trata de la iraní Marjane Satrapi y que aunque su obra “Persépolis” ya fue lanzada en forma de cuatro álbumes, ve ahora la luz en un único tomo que reúne los anteriores, publicado por Norma Editorial. La historia que cuenta es tan simple como la de una niña en el Irán de los Ayatolás y a la vez tan compleja, porque vivir en una sociedad tan profundamente marcada y regida por la religión no resulta nada fácil y si has nacido mujer aún menos.

¿Por qué me gusta? Aunque el estilo de Satrapi me resulta bastante infantil, la fuerza y la crudeza de lo que cuenta son suficientemente intensas como para que un dibujo tan simple y sencillo atrape al lector desde la primera viñeta, os lo puedo asegurar puesto que yo también me quedé enganchado leyendo esta historia.

Por cierto, yo también os quiero recomendar lo último de Trondheim, “La Maldición del Paragüas” publicado por Ediciones Sins Entido. Como Ximo se me ha adelantado de nuevo con su post, tan sólo recomendaros su lectura.

LECTURAS RECOMENDADAS: “El Anillo de los 7 Mundos: 3. Los Piratas de Heliópolis” y “BOUNCER: 5. La Presa de los Lobos”

Esta vez son dos volúmenes un tanto diferentes, pero que corresponden a dos series publicadas por NORMA EDITORIAL. La primera de ellas es el tercer tomo de “El Anillo de los 7 Mundos” obra del equipo de autores italianos Gualdoni, Clima, Piana y Turotti que se reparten los papeles de guionista, guionista, dibujante y colorista. Es una historia de aventuras desarrollada en siete mundos fantásticos y los pueblos que los habitan y que se dan cita a lo largo de la narración, una lucha de ambición y de poder a la que nadie es ajeno.

No sabemos que nos deparará el futuro de sus protagonistas y sobre todo, a lo largo de cuantos tomos se extenderá. De momento, gracias a la ágil narración y estructura gráfica, se convierte en una lectura apasionante que en la última página de cada tomo deseemos que se publique ya el siguiente. Realmente engancha su lectura, así que esperemos que no decaiga y que no termine en un final forzado.

¿Por qué me gusta? Por un lado, su parte gráfica. Está muy bien dibujado, apoyado por una gran labor de coloreado, con un estilo muy “italiano”, dentro de lo que llamaría escuela de la Disney. Son, como yo los llamo, un numeroso grupo de dibujantes que provienen de los estudios Disney y que me recuerdan mucho al estilo de dibujo del “Don Mickey” y que actualmente tienen continuación en cosas como “Witch” y en compatriotas como Barbucci y Canepa. Además, se nota la influencia que en series como esta ha tenido Miyazaki y su “Nausicaä”.

La segunda serie es el tomo quinto y último (¡¡¡a Dios gracias!!!) de “BOUNCER”, un western a la vieja usanza y muy en la línea de Blueberry y similares. El maravilloso dibujo de François Boucq ilustra una historia del siempre temible Alejandro Jodorowsky, que en esta ocasión se ha contenido un poco más de lo habitual para ofrecernos una gran obra.

Una historia de muerte y venganza en el salvaje oeste dominado por el hombre blanco y por la ley del más poderoso, siempre cayendo de su propio lado.

¿Por qué me gusta? Esta muy claro que Boucq es un clásico capaz de mantener siempre un altísimo nivel en su arte, razón más que suficiente para que cualquiera de sus portadas le identifiquen de un solo vistazo. ¡Cuantos autores quisieran conseguir esa cualidad!

Y por esta vez, y esperemos que le sirva de precedente, una historia de Jodorowsky que es capaz de enganchar al lector sin calentarle la cabeza con una serie de ideas a cada cual más extraña, extravagante y estrambótica. Una historia que comienza por el principio, se sigue con claridad y que, elementos místicos aparte, acaba con un final que es el realmente el fin de la historia.

LAURA (1944) de Otto Preminger

La primera vez que vi “Laura” fue por televisión hace ya un montón de años, cuando los televisores eran mayoritariamente en blanco y negro. Se trataba de una película policíaca, un clásico del cine americano de los años 40, género al que cogí mucha afición desde pequeño. Lo cierto es que tampoco había mucha más variedad y mi conocimiento sobre el cine no era aún muy extenso.

Así que, como decía, empecé a ver la película y a meterme de lleno en una historia típica de cine negro, la historia de un detective de homicidios (encarnado por Dana Andrews) que tiene que investigar el asesinato de una hermosa joven, de nombre Laura (maravillosa Gene Tierney) y que da título a la cinta. Siguiendo los esquemas del género, el duro detective investiga el pasado de la chica a base de preguntar por ella a todos los que la conocían.

De este modo se crea un pequeño círculo alrededor de lo que fue la vida de Laura a través de las opiniones y los sentimientos de sus más allegados. Pronto comprendemos que esta joven en su camino hacia ganar una buena posición social había sido capaz de despertar una especial atracción en los hombres que la rodearon y sin dejar indiferente a las mujeres que no habían logrado competir con ella.

Poco a poco, esa misteriosa atracción se va haciendo dueña de nuestro detective que, a medida que pasa el tiempo y va profundizando más y más en el caso y en la personalidad de Laura, se vuelve obsesivo con el personaje de la difunta.

Dicha obsesión alcanza su punto álgido con la visión del retrato de la chica, idealizada imagen que domina el salón de su casa y donde el detective de homicidios queda atrapado por esa imagen y por los recuerdos de un amor que nunca existió y que él hubiera deseado en su monótona vida. De un modo u otro, todos los hombres que la conocieron, de una u otra forma, han quedado atrapados por su embrujo.

En cierta forma, yo me quedé también prendado de la belleza que desprendía el personaje, y no sabría decir por qué. Una belleza como la de Laura, una joven morena con aire inocente y vulnerable, no era el típico personaje de mujer fatal de larga cabellera rubia y enormes pestañas al que el cine negro más clásico nos tenía acostumbrado.

En unas pocas líneas, ésta es la trama de este clásico de 1944, película que yo casi clasificaría de culto y de la que no voy a revelar nada más, por si a estas alturas alguien todavía no la ha visto.

La película está basada en una novela policíaca homónima del escritor norteamericano Vera Caspary, no tan conocido como otros de los grandes nombres del género, pero que sirvió de base de partida para que Otto Preminger realizase una de sus más conocidas obras y que a través del éxito obtenido, se le permitiese desarrollarse como creador de forma más libre e independiente. Una historia en principio policíaca que pronto se interesa más por aspectos psicológicos relacionados con los personajes que la pueblan.

El reparto de la película fue muy cuidadosamente elegido para darle entidad a la historia, ya que unos actores no adecuados o sin la suficiente credibilidad en sus personajes harían que la película no se sostuviese. Una vez visionada, el acierto fue pleno. Dana Andrews interpreta al detective McPherson obsesionado por la joven asesinada; Clifton Webb es el misógino escritor Waldo Lydeker convertido en mecenas; como secundario de lujo, Vincent Price, haciendo del novio de la tía de Laura Shelby Carpenter.

Y como personaje femenino principal, Gene Tierney como Laura, perfecta en el papel que la lanzaría al estrellato. A partir de esta película, se convirtió en mi actriz favorita del cine clásico, y aunque la haya visto en otros títulos, creo que es en esta película donde apareció más bella que en ninguna otra.

Este es uno de mis títulos favoritos, de esas películas de las que siempre me acuerdo de nombrar cuando me piden que haga una pequeña lista. Es una de esas obras maestras que de vez en cuando me gusta volver a visionar y que no me canso de verla, porque sigue conservando el hechizo de la primera vez que la vi.

"LAURA" (1944) de Otto Preminger, con Dana Andrews, Gene Tierney, Clifton Webb, Vincent Price y Judith Anderson. Editada en DVD por 20th Century Fox.